3. JUNI 2014

 

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Im Folgenden finden Sie die Rede von Dr. G. Neumann– Kunsthistoriker – gehalten anlässlich der Eröffnung einer Ausstellung von Gemälden von Ute Neumann.

 

Er hat der Künstlerin freundlicherweise die Erlaubnis erteilt, den Text nach eigenem Ermessen zu verwenden.

 

AUSSTELLUNG:

„MUSIKALISCHE IMPRESSIONEN“ von Ute Neumann. „Melodien sehen“, „Farben hören“ – Bilder klingen – Musik, die man sehen kann. Das ist – ich drücke mich in musikalischen Begriffen aus – die Basslinie, die endlose Melodie der Bilder dieser Ausstellung.

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Ich darf Ihnen die Werke von Ute Neumann vorstellen, mit der ich, obwohl ich denselben Namen trage, nicht verwandt bin.

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Bei den farbenfrohen, mal figurativen, mal abstrakten Gemälden scheint das nicht so schwierig zu sein; aber das ist ein falscher Eindruck. Wir dürfen diese Bilder nicht isoliert betrachten, sondern müssen sie als Teil der zeitgenössischen Kunst und der Entwicklung zu Beginn des 21. Jahrhunderts verstehen. Dabei stoßen wir auf einige Probleme.

Die moderne Kunst befindet sich gegenwärtig in einer Phase historischer Umbrüche. Zahlreiche anerkannte Kunstkritiker, Feuilletonisten und Künstler argumentieren mit Überzeugung, intelligenten Analysen und nachvollziehbaren historischen Betrachtungen, dass das Ende von Kultur und Kunst bereits gekommen ist.

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Édouard Beaucamp, der angesehene Kunstkritiker der FAZ, schreibt: „Seit einer Generation werden wir mit einer erweiterten Definition von Kunst konfrontiert („Alles ist Kunst, jeder ist ein Künstler, alles ist erlaubt“), und nun werden wir auch noch darauf trainiert, Abfall als Lebensader und ästhetisches Dokument dieser Generation zu betrachten.“

Warum ist das so gekommen? Ich möchte Fernsehen und Konsumzwang nicht für die billigsten Kulturprodukte und die reichhaltige Unterhaltung verantwortlich machen. Doch eines ist bemerkenswert: Kultur und Kunst entwickeln sich in einem vorbestimmten Tempo. Sie verbessern sich nicht, wenn sie keinen Feind haben – das heißt, sich ohne Kritik entwickeln.

Die moderne Kunst hat keinen Feind. Die bedingungslose Haltung von Kunstkritikern, Ausstellern und Galeristen der Moderne, alles für akzeptabel und gut zu erklären, verhindert die kritische Auseinandersetzung mit ernsthafter Kunst.

 

Der junge Enzensberger schrieb vor einiger Zeit: „Wir brauchen einen Feind.“ Sind wir mit der gegenwärtigen Kulturfreiheit, die allem zustimmt, zufrieden? Mit der Wiederbelebung eines ernstzunehmenden Gegners der Kunstkritik, der Dummheit, Abfall und wertlose Kunst anprangert und Kategorien sowie eine neue Kunstwahrnehmung schafft – das würde Kunstinterpretation und Kunstverständnis wieder bedeutungsvoll machen.

Wir müssen uns den Bedeutungen von Ute Neumanns Gemälden unter den genannten Aspekten nähern – und dabei die aktuellen Kunstnachrichten berücksichtigen.

Zunächst einmal müssen wir erkennen, dass heute kein Land und keine Region mehr einen eigenen Kunststil besitzt und keine Richtungen existieren, die bestimmte gegenwärtige Betrachtungen einengen.

Es ist bezeichnend für den Zustand der heutigen modernen Kunst, dass die internationale Kunstszene die Malerei auf einer flachen, zweidimensionalen Fläche – das sogenannte Tafelbild – scheinbar aufgegeben hat.

Ute Neumann malt auf einer Tafel, sie denkt nicht daran, auf ein anderes Medium zu wechseln, und das mit Erfolg, denn der unkritische Kunstkritiker agiert gespalten und ambivalent.

Der moderne Kunstkritiker akzeptiert die Tafelbilder der Großmeister Baselitz, Richter, Polke, Lüpertz, Tübke, Heisig, Sitte und Mattheuer der ehemaligen DDR. Die Abkehr von dieser Praxis und die Rückkehr zum Tafelbild beweisen zwei Tatsachen: 1. Der Zeitgeist oder der Geist des kritischen Kritikers ist kurzlebig und launisch. 2. Die Tafel der Renaissance lebt bis heute fort und bewahrt die zeitlose und klassische Form des künstlerischen Ausdrucks. Die Zeitlosigkeit des Stils beweist seine Modernisierung!

Heute sind Sie hier, um eine Ausstellung moderner Kunst zu besuchen.

Kunstkritiker und Kuratoren versuchten uns in der jüngeren Vergangenheit glauben zu machen, Kunst müsse erschrecken, anklagen, provozieren oder fordern – sicherlich sind das auch Funktionen der Kunst –, doch schließt Kunst nicht im selben Maße aus, wie sie der ästhetischen Schönheit dienen und sie fördern kann.

Kunst wird immer modern sein, solange sie gut ist – auch ohne jeglichen Anspruch.

 

Ute Neumann lässt sich beim Malen gern von Musik inspirieren. Sie hört sich eine Komposition an, lässt sie auf sich wirken, nimmt sie in sich auf, formt sie mit Seele und Geist und erschafft so – oft schon nach einmaligem Hören – ein inneres Bild in Farbe und Form. Dies ist nicht immer eine bloße Wiedergabe der soeben gehörten Musik, sondern ein spirituell reflektiertes Werk.

Musikalische Bezeichnungen des Komponisten, Porträts, die sie in ihrem Geist wahrnimmt, fließen gelegentlich in die Transformationen des Gemäldes ein. Hier ist es nicht der Klang, der die vom Maler verwendeten Farben bestimmt, sondern eine Realität, die den Titel einer Komposition nutzt und die Arbeit des Malers mit dem Pinsel inspiriert.

Die Farben der Musik werden zu eigenständiger Musik, obwohl sie durch den realistischen Titel begrenzt sind. Immer wenn ein Musiktitel die Malerei beeinflusst, wandelt die abstrakte Darstellung die gehörte Musik in realistische Malerei um. Der freie Klang wird nicht mehr emotional genutzt, sondern in eine umrissene Form gelenkt.

Es ist keine neue Idee von Ute Neumann, sich von der Musik zur Malerei leiten zu lassen. Bereits in der Renaissance entwarf der Florentiner Maler und Architekt Leon Battista Alberti Hausfassaden nach dem Prinzip musikalischer Intervalle.

Es war die Vorstellung der Romantiker, dass Musik und Malerei sich gegenseitig verstärken und so ihre Wirkung steigern.

Philipp Otto Runge erkannte beim Anblick von Raffaels Sixtinischer Madonna, dass der Maler zugleich Musiker und Sprecher ist. Runge komponierte sein berühmtes Werk „Die Tageszeiten“ wie eine Symphonie.

Der Dichter Adalbert Stifter fragt: „Wäre es nicht möglich, mit Licht und Farben gleichzeitig Musik für das Auge zu schaffen?“

Und der französische Dichter Baudelaire bemerkt beim Hören von Wagners Musik: „Es wäre überraschend, wenn Musik nicht Farben suggerieren könnte! Und Farben und Klänge (Musik) zusammen könnten Gedanken suggerieren!“

Mit Beginn des 20. Jahrhunderts wurde die „Musikalisierung“ der Malerei zu einem zentralen Thema der modernen Kunst.

Kandinsky, Klimt und Matisse versuchten, Musik in Farben zu schaffen. Kandinsky war der Künstler, der die Wechselbeziehung von Malerei und Musik am stärksten empfand und reflektierte. Für ihn hatten Farbe und Musik denselben intellektuellen Anspruch, Kunst zu sein.

Kandinskys Kollege am Bauhaus in Weimar, der Schweizer Maler Johannes Itten, war es schließlich, der die „Musikalisierung“ der Malerei durch Regeln vorschlug. Er entwickelte die Wissenschaft der chromatischen Farben, analog zur chromatischen Tonskala. Er fügte zwölf verschiedene Farbtöne zu zwölf Segmenten des Farbkreises hinzu.

Lyonel Feininger komponierte Fugen für die Orgel, deren Strukturen er für seine Gemälde verwendete.

Ernst Wilhelm Nay, angeregt durch Werke von Stockhausen und Brûlés, wandte sich von der figurativen Malerei ab und beschloss, sich mit seinen „Rhythmischen Bildern“ der gegenstandslosen Malerei anzuschließen.

Es ist bekannt, dass KRH Sonderburg beim Arbeiten Musik von Parker, Monk und den Rolling Stones hörte.

 

Kehren wir zu Ute Neumann zurück. Wir wissen, dass sie sich mit ihren Gemälden in der historischen Tradition verortet – und das weiß sie selbst auch. Sie nutzt unterschiedlichste Ausdrucksformen wie Fugen, Lieder, Opern, sinfonische Dichtung oder die Zwölftontechnik als Inspiration für ihre unverwechselbaren Gemälde, die von figurativen oder landschaftlichen Darstellungen geprägt sind. Maler, die sich von Musik inspirieren lassen, schaffen realistische und abstrakte Werke.

Ute Neumann ist ein gutes Beispiel für diese Art von Handwerkskunst, und ihr Werk umfasst sowohl abstrakte als auch figurative Gemälde. Sie nimmt ihren Beruf als Malerin sehr ernst und widmet sich ihrer Kunst mit Hingabe.

Zunächst Autodidaktin, erhielt sie später ein zweijähriges Stipendium der Dr.-Hans-Hoch-Stiftung, das ihr den Weg ebnete. Dann kam der erfolgreiche Durchbruch. Sie erhielt eine Einladung zu einer Ausstellung in der Deutschen Botschaft in Tallinn, Estland, und zeigte anschließend ihre Gemälde im Goethe-Institut in Oslo, Norwegen, sowie im größten Industrieunternehmen Oslos, Norsk-Hydro.

Ute Neumann ist Koloristin, eine Malerin, die in Farben denkt und ihre Intuitionen auf einer flächigen Ebene umsetzt. Ihr Talent zeigt sich in einem ausgeprägten Farbverständnis und einem Gespür für die rhythmische Verteilung von Farben auf einer bestimmten Ebene.

Ihre figurativen Kompositionen sind nicht von Zeichnungen vorgegeben. Ihren Gemälden ist nichts Grafisches zugeordnet. Sie möchte keine Grafikspezialistin sein. Für jemanden, der wie sie aus der Welt der Farben kommt, erscheint Grafik fern. Die Farbe auf der Leinwand und ihre Weite sind ein Zweck an sich, deshalb fühlt sie sich zur abstrakten Malerei hingezogen. Jemand wie sie liebt die Leuchtkraft der Farben und ist fernab von gedruckten Designs. Die Farbe auf der Oberfläche ist ein Zweck an sich. Deshalb bevorzugt sie insbesondere die abstrakte Malerei. Denn in der Entwicklung der Farben gibt es keine Grenzen, Farbe und Fläche kennen keine Trennlinie.

 

Meine Damen und Herren, nehmen Sie sich die Zeit, die musikalische Disposition und die Formen in den Gemälden dieser Ausstellung zu entdecken. Fragen Sie sich, ob Ute Neumanns Ausführung ihrer Gemälde Schillers Idee in seinem 22. Brief der „Ästhetischen Briefe“ entspricht: „Die schöpferische Kunst in ihrer höchsten Vollendung muss Musik werden und uns durch ihre sinnliche Präsenz berühren.“

 

Ich wünsche Ihnen anregende Gespräche über Ute Neumanns Gemälde, Freude beim Betrachten und dass Sie die Pracht ihrer wunderschönen Farbmusik in Ihrem Herzen bewahren.